VEIL AND QUINTESSENCE

When we met Gábor Gadó at the turn of the century, we were delighted by the profound musicality apparent in his quartet at the time, and in his collaborations with the singer Gábor Winand, as well as by the prospect of exploring the treasures welling up time and again, in a sustained rhythm initially on the BMC label. In addition, despite the brief parenthesis of a concert recorded in a quartet with David Liebman (Ungrund, 2011), when, ten years ago this phonographic spring seemed to dry up, listeners whose only access to Gábor Gadó’s work was via discs may have believed his activity had ceased.

Yet, in the quasi penumbra of these years without releases, Gábor Gadó has been working on an intense deepening of his language on stage, and also over a series of unpublished recordings. And while the last to appear, Byzantinum (2007) and Lung-Gom-Pa (2008), suggested growing abstraction, the first lines of ‘Weltraum’ on Ungrund testify to a return to the fundamentals of Baroque music in the constant company of the music of Johann Sebastian Bach. The pull of this aesthetic, made concrete in recent years in his collaboration with the composer and pianist Barnabás Dukay, has its resolution (not its dissolution) in this phonographic resurgence under the title Veil and Quintessence, another episode in the frenzied quest which is the source of Gábor Gadó’s music.

As he specifies in the explanatory notes, for him creation is not a voluntary act, but it begins in a state of trance, the music is not born ‘of music’ but ‘of an inner state, intimate, and flowing from a “root” idea, from a principle.’ Back in 2002, he declared: ‘My music is not narrative. It expresses abstractions and the structure comes to me before the melody.’ He then explained that he felt ‘physically invaded’ by the music. This is how the current album’s opening piece, Ombra adorata, was born: ‘This beautiful expression from the Spanish Basque thinker Miguel de Unamuno triggered the initial idea: the acceptance of the dark side of things, the duality between dark and light that merges into a single superior entity.’

This duality is incarnate in Laurent Blondiau (encountered Gábor Gadó as part of the group Unit in 2004), whose tone is at times very pure, almost celestial, evoking Kenny Wheeler, and at times ‘besmirched’ with jungle mute effects, recalling the trumpeting style of Ellington. Born in 1968, and trained at the Royal Conservatory in Brussels, he has had a wealth of experience ranging from modern jazz (at the desks of the Brussels Jazz Orchestra) to the legacy of Steve Coleman (transcended within the changing line-up of the group Octurn), passing to encounters with Gnawa musicians (leading Maäk’s Spirit) and the collaboration with Andy Emler’s MegaOctet which in France in 2009 brought him the European Prize from the Jazz Academy, previously awarded to Gábor Gadó in 2003.

Gadó, eleven years his senior, was trained in a school of choral singing and in the Kodály method, playing the guitar in popular dances, and went on to the study jazz at the Béla Bartók Conservatoire in Budapest. Though his guitar style, recognisable since the 1990s, has its roots in his listening to the Abercrombie-Metheny-Frisell generation, he has personalized it with a subtle, highly intimate relationship with modal traditions and tonal harmony, and more generally with the great artistic and spiritual traditions of Mitteleuropa and oriental mysticism.

Over the years, the importance of Bach has grown in his interior world of his imagination, where chromaticisms inherited from polytonal jazz of the 1970s ‘add spice to the Baroque severity.’ From one piece to another, or within one and the same piece, he appears to move with great stylistic unity from a folk, modal idiom to the harmonization of a Protestant chorale and to the fluid voice-leading typical of writing for the string quartet, in a symbiosis of the horizontal and the vertical, of the contradictory enticements of the ostinato and modulating harmony. In contrast to the clear lines of the trumpet is his way of dimming the apparent attack of his guitar to the sound of a chorale or a church organ. Because everything here is a prayer, a meditation, a vigil and contemplation in a sense the West has forgotten, a sense which its poets and thinkers have gone to seek in oriental mysticism, to throw off the veil covering the quintessence of existence and to reconcile shadow and light.

Franck Bergerot
Translated by Richard Robinson

 

 

 

Lorsque nous fîmes connaissance avec Gábor Gadó au tournant du siècle, ce fut avec la certitude que suffirait à notre bonheur la profonde musicalité que révélait son quartette de l’époque et ses collaborations avec le chanteur Gábor Winand, ainsi que la perspective d’en explorer les richesses constamment renouvelées au fil de parutions qui s’échelonnèrent d’abord à un rythme soutenu sur le label BMC. Aussi, en dépit de la brève parenthèse du concert enregistré en quartette avec David Liebman (« Ungrund », 2011), lorsque cette source phonographique parut se tarir il y a dix ans, les auditeurs qui n’avaient accès à l’œuvre de Gábor Gadó qu’à travers le disque purent croire à une cessation d’activité.

Or, dans la semi-pénombre de ces années sans publication, Gábor Gadó a poursuivi un intense approfondissement de son langage sur scène comme au fil d’enregistrements restés inédits. Et tandis que les derniers parus, « Byzantynum » (2007) et « Lung-Gom-Pa » (2008), laissaient supposer une abstraction grandissante, les premières lignes de Weltraum sur « Ungrund » témoignaient d’un retour vers les fondamentaux de la musique baroque à travers la fréquentation assidue de la musique de Johann Sebastian Bach. Ce tiraillement esthétique, qui se concrétisa ces dernières années dans sa collaboration avec le compositeur et pianiste Barnabás Dukay, elle trouve (non pas sa dissolution mais) sa résolution dans cette résurgence phonographique sous le titre « Veil and Quintessence » (le voile et la quintessence), nouvel épisode de la quête éperdue où la musique de Gábor Gadó prend sa source.

Comme il le précise dans ses notes d’intention, la création chez lui n’est pas un acte volontaire, mais elle advient dans un état de transe, la musique ne naissant pas « de la musique », mais « d’un état intérieur, intime, découlant d’une idée “racine”, d’un principe. » En 2002, il déclarait déjà: « Ma musique n’est pas narrative. Elle exprime des abstractions et la construction me vient avant la mélodie ». Il précisait alors qu’il s’en trouvait « physiquement envahi ». C’est ainsi que naquit le morceau d’ouverture du présent album, Ombra adorata : « Cette belle expression du penseur basque espagnol Miguel de Unamuno en a fait naître l’idée première : l’acceptation de la partie sombre des choses, la dualité entre ombre et lumière qui se fondent en une seule entité supérieure. »

Cette dualité, Laurent Blondiau (rencontré en 2004 au sein du groupe Unit) l’incarne lui-même, avec cette sonorité tantôt très pure, comme céleste, évoquant Kenny Wheeler, tantôt “salie” des effets de sourdine jungle renvoyant aux trompettistes ellingtoniens. Né en 1968, formé au Conservatoire royal de Bruxelles, il a multiplié les expériences, du jazz moderne (parmi les pupitres du Brussels Jazz Orchestra) à l’héritage de Steve Coleman (transcendé au sein du groupe à géométrie variable Octurn), en passant par les rencontres avec les musiciens gnaoua (à la tête de Maäk’s Spirit) et la collaboration au MegaOctet d’Andy Emler qui lui valut en France le prix européen de l’Académie du jazz en 2009, distinction où l’avait précédé Gábor Gadó en 2003. Ce dernier, de 11 ans son aîné, a été formé à l’école du chant choral et de la méthode Kodály, à la pratique de la guitare dans les bals populaires, puis dans la classe de jazz du Conservatoire Béla Bartók de Budapest. Si le style guitaristique qu’on lui connaît depuis les années 1990 a pris racine à l’écoute de la génération Abercrombie-Metheny-Frisell, il s’est personnalisé dans une relation très fine et très intime à la croisée des traditions modales et de l’harmonie tonale, et plus généralement des grandes traditions artistiques et spirituelles de la Mittel Europa et de la mystique orientale.

Avec les années, Bach a pris une dimension grandissante dans son imaginaire intérieur où les chromatismes hérités du jazz polytonal des années 1970 « pimentent une sévérité baroque. » D’un titre à l’autre ou à l’intérieur d’un seul et même morceau, il parvient, dans une grande unité stylistique, à passer d’une expression folk, modale, à l’harmonisation du choral protestant et à la fluidité d’une conduite de voix typique de l’écriture pour quatuor à cordes, dans une symbiose de l’horizontal et du vertical, des tentations contradictoires de l’ostinato et de l’harmonie modulante. En opposition aux lignes claires de la trompette, sa manière d’estomper l’attaque apparente sa guitare au son choral ou

à l’orgue d’église. Car tout est ici est prière, méditation, veille et contemplation au sens qu’en a perdu l’Occident et que ses poètes et penseurs sont allés rechercher dans la mystique orientale pour lever le voile recouvrant la quintessence de l’existence et réconcilier l’ombre et la lumière.

Franck Bergerot